The true meaning of the end of Bladerunner 2049: meta-narrative, virtual reality and “The neverending story”.

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When I saw Bladerunner 2049, although I thought it was a great movie when it came to certain artistic aspects, as a follow-up to the original Bladerunner I was disappointed. Until I read Mark Millar’s idea about the final scene. Now it is for me the only thing that gives Bladerunner 2049 a sense of transcendence that saves it from oblivion and raises it to the level of the original, beyond the purely audiovisual aspects.

The ideas that I expose below are born from this new perspective, although the parallels with “The Neverending Story” are my thing.

K, or Joe, does not exist. At least, not as we believe he exists. He is a fantasy character, an elaborate memory created by who is supposed to be Deckard’s daughter. If it were not so, the snow at the end, in the hands of her and on her, would only be an ornament. And I was taught that in good movies and good literature everything has a meaning. Nothing should be casual. And less in the LAST SCENE.
Wallace does not exist either. There is nothing in this movie, except the film itself, as a meta-narrative in the universe of Bladerunner, the original movie. Only the last scene is real, although she lives halfway between reality and fantasy.
This is for me the only thing that saves 2049 from falling into oblivion (the plot of the main story, without this new perspective, has always seemed to me rather vulgar and boring), and suddenly makes it a masterpiece, misunderstood by those who hate the movie, but above all by those who love the movie.
Deckard is not a replicant. Maybe he’s a human whose mind has been manipulated with memories, the pioneer of a new posthumanity … maybe all bladerunners are manipulated in that way. In fact, replicants are not supposed to age. They are created with the same appearance they will have while they work, or they exist. So seeing Deckard played by Ford older for me in the end comes to mean that he’s human, albeit modified.
Actually, the idea of the replicant can be transferred to the virtual world. It is not that K does not exist, He does not exist in reality.
If all this is true, and I don’t care what others think, for me it is, the character played by Ana de Armas, Joi (clearly inspired by the movie HER, not only the character but his whole love scene), she is no more than an echo, which reminds K that he does not exist … how other beings can exist. Although really, that does not mean he does not exist either.
For me it is now clear that this woman who designs virtual stories, in a future in which virtual reality has to be almost indistinguishable from reality, knows the mind of Deckard, and plays with it. The ending is an echo of the end of the original Bladerunner, and is an intentional echo. Although I do believe that the facts of the original are real. Memories of real events that she knows. Why, and why she acts like that, that’s another story …
We can see Deckard’s reflection in the bubble glass where she lives, her Ivory Tower. Child Empress. The two realities, the Bastian that transcends reality and fantasy. There is a chapter, in “The Neverending Story”, where Atreyu has to pass a test, a door that is a mirror, and in it he sees himself as Bastian. If there is a classic fantasy novel that plays with meta-narrative, this is “The Neverending Story”. Joe (or K) is the Atreyu, who leads Deckard to the Child Empress, to heal her, giving her a name.
It should also be noted that the two names of the character played by Ryan Gosling, “Joe” and “K”, sound like “Joke” in English.
Michael Ende, the author of “The Neverending Story”, wrote other books, not all oriented to the younger audience. All of them, in any case, contain large doses of philosophy. Among the books “for adults” he wrote, highlights “Mirror in the mirror”.

There are more details. Here below, in the first photo, we see her designing the snow, and playing with it, and the reflection of the entrance door and of Deckard passing through it, and the exit door, in the background. We might think that it is snow from outside, that falls through an open skylight. But no, of course, that’s impossible, because she lives in a bubble, and also, when she turns around to face Deckard, the snow disappears.
Before, during that story that is told to Deckard to lead him to his daughter (we will assume that she is), we can see two sphinxes facing one another, in Las Vegas; or when Deckard quotes a phrase from “Treasure Island” and says that the only thing he can do there is to read. He says he has dreamed of cheese. He has dreamed of something he has read in a book, but it does not exist there, and he tells it to someone whose story is invented like a book, one who does not really exist there. It is augmented reality, or virtual … it is fiction. (In the background, maybe it does exist, just as there are characters like Atreyu, or ourselves, in this holographic universe, although this is taken from a poetic perspective, not literal). There, where Deckard lives, there are only shadows of the past, books, and whiskey to forget.
Of course, everyone is free to interpret the movie as they like. This is how I like it, with much difference.

By the way, speaking of alternative or increased realities, I don’t know if more people besides me have seen the parallelism between the forms of the end of Valerian, of Luc Besson, and the end of Bladerunner 2049. Valerian disappointed me enough, beyond of the visual, but it has some formidable details, and that, the way it deals with the issue of virtual and augmented reality, is one of them.

 

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El verdadero significado del final de Bladerunner 2049: metanarrativa, realidad virtual y “La historia interminable”.

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Cuando vi Bladerunner 2049, aunque me pareció una gran película en lo referente a ciertos aspectos artísticos, como película continuación de la Bladerunner original me decepcionó. Hasta que leí la idea de Mark Millar sobre la escena final. Ahora es para mí lo único que le da a Bladerunner 2049 una sensación de trascendencia que la salva del olvido y la eleva a la altura de la original, más allá de los aspectos puramente audiovisuales.

Las ideas que expongo a continuación nacen de esa nueva perspectiva, aunque los paralelismos con “La Historia Interminable” son cosa mía.

K, o Joe, no existe.  Al menos, no como creemos que existe. Es un personaje de fantasía, un elaborado recuerdo que ha creado la que se supone que es la hija de Deckard. Si no fuese así, la nieve al final, en las manos de ella y sobre ella, solo sería un ornamento. Y a mí me enseñaron que en el buen cine y en la buena literatura todo tiene un significado. Nada debe ser casual. Y menos en la ÚLTIMA ESCENA.
Wallace tampoco existe. No existe nada en esta película, salvo la propia película, como metanarrativa en el universo de Bladerunner, la película original. Solo la última escena es real, aunque ella vive a caballo entre la realidad y la fantasía.
Esto es para mí lo único que salva a 2049 de caer en el olvido (el argumento de la historia principal, sin esta nueva perspectiva, siempre me ha parecido más bien vulgar y aburrido), y de golpe la convierte en obra maestra, incomprendida por los que la odian, pero sobretodo por los que la aman.
Deckard no es un replicante. Quizá es un humano cuya mente se ha manipulado con recuerdos, el pionero de una nueva posthumanidad… quizá todos los bladerunners son manipulados de ese modo. De hecho, se supone que los replicantes no envejecen. Son creados con la misma apariencia que tendrán mientras funcionen, o existan. Así que el ver a Deckard interpretado por Ford más mayor para mí al final viene a significar que es humano, aunque modificado.
En realidad, la idea del replicante puede ser trasladada al mundo virtual. No es que K no exista, es que no existe en la realidad.
Si todo esto es cierto, y me da igual lo que piensen otros, para mí lo es,  el personaje interpretado por Ana de Armas, Joi (claramente inspirado en la película HER, no solo el personaje sino toda su escena de amor), no es más que un eco que le recuerda a K que no existe… como pueden existir otros seres. Aunque realmente, eso tampoco significa que no exista.
Para mí ahora está claro que esa mujer diseñadora de historias virtuales, en un futuro en el que la realidad virtual ha de ser casi indiferenciable de la realidad, conoce la mente de Deckard, y juega con ella. El final es un eco del final de la Bladerunner original, y es un eco intencionado. Aunque sí que creo que los hechos de la original son reales. Recuerdos de hechos reales que ella conoce. Por qué, y por qué actúa así, eso ya es otra historia…
Podemos ver el reflejo de Deckard en el cristal de la burbuja donde vive ella, su Torre de Marfil. Emperatriz Infantil. Las dos realidades, el Bastian que traspasa la realidad y la fantasía. Hay un capítulo, en “La Historia Interminable”, donde Atreyu ha de pasar una prueba, una puerta que es un espejo, y en él se ve a sí mismo como Bastian. Si hay una obra de fantasía ya clásica que juega con la metanarrativa, esta es “La Historia Interminable”. Joe (o K) es el Atreyu, que conduce a Deckard hasta la Emperatriz Infantil, para sanarla, dándole un nombre.
Hay que apuntar también el dato de que los dos nombres del personaje interpretado por Ryan Gosling: “Joe” y “K” suenan como “Joke” en inglés.
Michael Ende, el autor de “La Historia Interminable”, escribió otros libros, no todos orientados al público más joven. Todos ellos, en cualquier caso, encierran grandes dosis de filosofía. Entre los libros “para adultos” que escribió destaca “El espejo en el espejo”

Hay más detalles. Aquí abajo, en la primera foto, vemos a ella diseñando la nieve, y jugando con ella, y el reflejo de la puerta de entrada y de Deckard traspasándola, y la puerta de salida, al fondo. Podríamos pensar que es la nieve de fuera, que cae por una claraboya abierta. Pero no, claro, eso es imposible, porque ella vive en una burbuja, y además, cuando se da la vuelta para encarar a Deckard la nieve desaparece.
Antes, durante esa historia que le es contada a Deckard para conducirlo hasta su hija (supondremos que lo es), podemos ver dos esfinges enfrentadas una a la otra, en Las Vegas; o cuando Deckard cita una frase de “La isla del tesoro”, y dice que lo único que puede hacer ya allí es leer. Dice que ha soñado con el queso. Ha soñado con algo que ha leído en un libro, pero que no existe allí, y se lo dice a alguien cuya historia es inventada como la de un libro, que en realidad no existe allí. Es realidad aumentada, o virtual… es ficción. (En el fondo, quizá sí que exista, tal como existen personajes como Atreyu, o nosotros mismos, en este universo holográfico. Aunque tómese esto último desde una perspectiva poética, no literal). Allí, donde vive Deckard, solo existen sombras del pasado, libros, y whisky para olvidar.
Desde luego, cada cual es libre de interpretar la película como más le guste. A mí es así como más me gusta, con mucha diferencia.

Por cierto, hablando de realidades alternativas o aumentadas, no sé si más gente aparte de mí ha visto el paralelismo que hay entre las formas del final de Valerian, de Luc Besson, y el final de Bladerunner 2049. Valerian me decepcionó bastante, más allá de lo visual, pero tiene algunos detalles formidables, y ese, la forma en que trata el tema de la realidad virtual y aumentada, es uno de ellos.

 

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Reseña: “El Portal de los Obeliscos”, de N. K. Jemisin.

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Todas las reseñas y comentarios que he visto de este libro en Internet han sido muy positivos, sin paliativos. Esta reseña va a ser una excepción a esa regla. Creo necesario subirla, porque imagino que habrá más personas como yo que puedan sentirse decepcionadas. Tiene que haber lugar para todo en Internet, mientras el sentimiento sea honesto.

Mi sensación al leer “El Portal de los Obeliscos” ha sido de decepción. Sin que fuese la primera parte, “La Quinta Estación”, mi libro favorito, fue un libro aquel que me gustó mucho, y me dejó buenas sensaciones y recuerdos. Un tipo de fantasía o ciencia ficción tan originales que no se sabe dónde termina la una y comienza la otra, aunque si yo tuviera que definirme, diría que se trata más bien de fantasía, tan concienzuda en algunos de sus elementos, eso sí, que la hacen parecer ciencia ficción, aunque si somos rigurosos, su ciencia es tan imaginativa y alejada de lo que normalmente entendemos por ciencia ficción, que yo prefiero contarlo como un libro de fantasía. No tengo preferencia por uno u otro género, me entusiasman los dos por igual, y creo que en ciertos niveles están profundamente entrelazados. Esta trilogía de N. K. Jemisis es un gran ejemplo.

Así pues, decepción, porque me gustó mucho “La Quinta Estación”, y en este libro, básicamente, no pasa nada. Todo el libro en dos localizaciones, cuatrocientas páginas sin moverse de esas dos localizaciones, contándonos lo mismo una y otra vez. Hacia su parte central, está el relato de Alabastro, donde algunas sorpresas en el worlbuilding por fin convierten a la historia en algo excitante, pero solo es un espejismo… enseguida volvemos otra vez a las mismas localizaciones, y a leer lo mismo una y otra vez. El libro se me ha hecho eterno. Hacía mucho tiempo que no tenía tantas ganas de terminar un libro de una vez, para poder leer otra cosa.
Los personajes: no me he identificado nunca, ni de lejos, con ninguno… bueno, venga, quizá un poco con Lerna. Pero se trata de un secundario. Y vale, al final, muy al final, en la última página, con Nassun.
Con lo que más me identifico es con el tema de fondo, y a veces entiendo el odio que mueve a la protagonista, ese odio hacia los axiomas de una sociedad que da por hecho que los que son como ella están ahí para hacer que la sociedad de los demás funcione, sin que dicha sociedad considere jamás que los que son como ella merezcan su respeto. Esa sensación de ser usada de la protagonista, acrecentada por la sucesión de pérdidas a lo que se ha visto sometida en el pasado.

Pero no comulgo con las formas de Essun. La forma en que asesina a inocentes sin que le tiemble una pestaña, y ese final… ese final del que había leído maravillas e interjecciones de asombro por doquier… ese final… me pareció horrible. No el final final… el final de Nassun me gustó. Me gustó lo suficiente para, a pesar de todo, hacer de tripas corazón e ir también a por el tercero. Pero el final de Essun, horrible. La personificación total y más descarada del deus ex machina hecho personaje. Algunos podrán decirme que vaya disparate, lo que acabo de escribir, porque cierto es que si hay un libro donde todos los entresijos que explican el poder desencadenado por el protagonista se explican con profusión de detalles, en un alarde de imaginación tal que casi terminas por dudar si la orogenia y la magia existen de verdad, es este libro. Pero todas esas explicaciones terminan por hacerme el libro soporífero.  Al final, después de tantísima explicación, sigo sin creerme a un personaje protagonista que de repente es un dios aniquilador. No comparto ni el fondo ni la forma en que se hacen esas cosas.
Luego está la batalla final, donde se llega a la confrontación a través de una serie de sucesos taaaaan aburridos… que al final me da igual por qué luchan, contra quién y para qué. No creo que el desarrollo de ese conflicto entre comus sea brillante. Me parece un  punto flaco de la historia.

Como digo, al final, justo cuando estaba casi seguro de que no compraría el tercer libro, surgió un rayo de luz en la última página, en la forma en que Nassun parece empezar a despreciarse a sí misma por todo lo que ha hecho, un personaje muchísimo más interesante que el de la madre, sin duda. Con ese final la autora nos hace barruntar el choque de trenes que puede producirse en el tercer libro, entre la madre odiadora y la hija redentora. Y con eso me quedaré…
La historia tiene otras cosas positivas, ciertos detalles humanos muy entrañables en la historia de amor con Alabastro, y algunos puntos buenos en general, como la perspectiva que se da de la magia dentro de un contexto rayano en la ciencia ficción.
Pero, ya digo, en  general, y para mi gusto, uno de los peores libros que he leído en los últimos años.

Me ha hecho preguntarme qué valoraron exactamente los miembros del jurado de los premios Hugo en este libro, si es que se trató de un año tan malo que tuvo que ganar esto. Lo cual dudo. ¿Se lo dieron por inercia reivindicativa, porque el primer volumen de esta trilogía, “La Quinta Estación”, ya ganó el Hugo del año anterior?
No se me escapa la polémica que ha habido durante los últimos años en los Hugo, y yo siempre me he posicionado en el bando de los que consideran al grupo conservador (que pone el grito en el cielo porque los premios se otorguen a mujeres, encima afroamericanas, y encima que no escriben ciencia ficción de corte clásico) un atajo de gilipollas trasnochados. Creo que el Hugo a La Quinta Estación fue justo. Flipé positivamente leyendo “Justicia Auxiliar”, de Ann Leckie, y “Las estrellas son legión”, de Kameron Hurley, y estoy flipando leyendo “La revolución feminista geek”. Soy admirador de la obra de Ursula K. Le Guin, y he escrito un artículo en este blog lamentándome de la escasísima repercusión que tuvo su muerte en España, donde ni siquiera fue noticia en ningún telediario. Eso me indignó profundamente. Digo todo esto para que nadie se confunda con esta reseña. Escribo solo lo que he sentido leyendo el libro. Tiene que haber gente y gustos para todo.

En cuanto a la calidad literaria, no cabe duda de que Jemisin escribe muy bien, aunque en general me ha parecido un libro pobre en cuanto a eso que yo llamo “capacidad de sutil evocación poética”, que a mí siempre me gusta sentir en la prosa. (Algo que me encantó de “Las estrellas son legión”, por ejemplo).

En cuanto a la traducción, ninguna pega, muy buena, y apenas hay faltas ni erratas reseñables.

Mi valoración personal: 3 sobre 5.

Anunciada la primera novela de fantasía de Ann Leckie: “The Raven Tower”.

Así es. Orbit Books anunció este viernes la publicación de “The Raven Tower”, la que será primera novela de fantasía de la autora que ganó el Hugo, el Nebula y el Arthur C. Clarke con su primera novela de ciencia ficción, Justicia Auxiliar, primera parte de una trilogía cuya continuación son “Espada Auxiliar” y “Misericordia Auxiliar”, y que está siendo publicada en castellano por Nova Libros  (que, como veis, no actualiza su web como se le presupone a una editorial de su merecido prestigio en el sector, ganadora del premio a la mejor editorial europea de ciencia ficción y fantasía en 2016).

El libro será publicado en inglés a principios de 2019, el 12 de febrero, más concretamente, y esperamos fervientemente que Nova o alguna otra editorial patria estén al quite para que sea poco el tiempo para tenerla en nuestras manos en el idioma de Cervantes, una vez vea la luz en el de Shakespeare.

Recordemos que, ambientada en el mismo universo de la trilogía del imperio Radch, Ann Leckie también ha publicado la novela autoconclusiva “Provenance”, actualmente sin traducir al castellano.

Por la poca información proporcionada hasta ahora, parece que la historia de “The Raven Tower” versará sobre dioses que hablan a los mortales y tronos usurpados. La editorial no ha dado aún una sinopsis, pero sí nos ha dejado estas palabras:

Listen. A god is speaking.
My voice echoes through the stone of your master’s castle.
This castle where he finds his uncle on his father’s throne.
You want to help him. You cannot.
You are the only one who can hear me.
You will change the world.

“Escucha. Un dios está hablando.
Mi voz reverbera a través de la piedra del castillo de tu señor.
Este castillo donde él encuentra a su tío en el trono de su padre.
Tú quieres ayudarlo. No puedes.
Tú eres el único que puede oírme.
Tú cambiarás el mundo.”

Así, en principio, no parece algo muy original, pero son aún muy pocas pistas, y tratándose de la primera novela de fantasía de una de las sensaciones de la ciencia ficción de los últimos años, las expectativas, y la ilusión por leer este libro, son altas. ¿Estará la historia enmarcada dentro del mismo universo de ficción del imperio del Radch, por más que se trate ahora de una novela de fantasía?

La portada, diseñada por Lauren Panepinto:

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Ephiro.

Al principio no lo vieron venir.
Era la vigésimo tercera jornada de viaje desde Acantha, veintitrés días de cielos plomizos, cargados de lluvia en el viento y barro en el camino. Con mejor tiempo habrían visto refulgir en la distancia, mientras se aproximaban a Vespertina, los cobrizos pináculos de las torres de la ciudad inmortal. Pero nada refulgía; nada siquiera existía a más de diez pasos, aparte de ellos mismos, que no fuera lluvia y barro.

Después de perder a Ephiro y a dos ghaunds, y de los continuos atascos de los carromatos, llegaban ya tarde a su cita con los dioses, pero la muerte de su compañero puso en perspectiva su propósito de no hacerlos esperar. En todo caso, rogaron que la paciencia fuese virtud de sus divinos anfitriones.

La implacable borrasca que se cernía sobre el mundo fue el primer indicio claro del vaticinio de los Augures, sobre todo después de la conmoción que supuso la pérdida de Ephiro. Empezaron a ser conscientes de que las tierras que atravesaban nunca habían sido castigadas por lluvias semejantes ni tan continuas, y entonces volvieron a ellos las palabras del Oráculo, antes de salir de Acantha, llamándolos a no emprender aquel viaje. Volvieron a sentir también aquellas voces extrañas, que les habían susurrado en las sombras de la ciudad. Murmullos sobre motivaciones siniestras del rey al ordenarles partir hacia Vespertina. Cosas de magia, se dijeron. En cualquier caso, sus órdenes eran ineludibles, pues era la mismísima hermana del rey, la princesa Aiel, quien mandaba la comitiva. Y para ella, rendirse no era una opción.

Quizá fue por una arenga de la princesa que creyeron que, si aquellos eran todos los males a los que se había referido el Oráculo, podrían culminar el viaje. Pero ninguno de ellos era capaz de imaginar la forma en que los Augures vislumbraban el futuro. Los miembros de la comitiva podían imaginar otras cosas, cosas normales, que siempre habían estado ahí, como la ciudad de los dioses, oculta en algún lugar del horizonte; o que seguía habiendo un cielo amarillo y un sol rojo, muy por encima de las nubes sempiternas. Pero nada más, ni peor ni más extraño.
Por eso no lo vieron venir, desde más allá de la lluvia, el barro y el sol; un nuevo planeta surgido de la oscuridad, que se dirigía hacia su mundo y engullía ya su luz.

 

—¿Te acuerdas, Ephiro? —le preguntó aquella voz, quebrando un silencio sin tiempo.
El joven cerró el voluminoso libro, dejando marcada la página con el dedo pulgar. Quizá fuese una tontería, o quizá no, pero sintió que perder aquella página sería como perder la vida.
La voz, como antes, le pareció que salía de todas partes y de ninguna, pero en esta ocasión creyó adivinar su origen en la planta medio muerta en el alféizar de la ventana. Sin embargo, no fue aquel dato el que taladró su mente.
—¿Es “Ephiro” mi nombre? —dijo, por fin, despacio.
—Tu nombre era.
—Como… —Fue un susurro ahogado, más que una palabra pronunciada.
—Sí, como el personaje del libro. Ahora lo recuerdas. Eras tú. Ephiro.
—Pero, no. No es posible.
—Te advertí que al leer el libro, conocerías tu verdad.
—Pero el libro dice… el libro dice que muere.

Hubo un silencio. Otro silencio sin tiempo con el que medirlo. Entonces algo o alguien abrió una puerta. Las nubes pasaron veloces a través del cielo azul, y el mismo viento lejano que las impulsaba llegó y se personificó en la estancia, agitando la planta moribunda y avivando por un instante las últimas ascuas de fuego en la chimenea. Agitó también el cabello luminoso, digital, de Ephiro, y abrió las tapas del libro, haciendo correr las páginas de la historia hasta el lugar marcado por su dedo pulgar.
La puerta se cerró con un portazo, y el viento se calmó.

En la siguiente página, la de la derecha, aparecía un dibujo. Era una mujer de porte regio y orgulloso, ascendiendo hacia la parte final de una rampa que daba a una gran puerta, en la que había un letrero que rezaba: VESPERTINA. La parte baja de la ciudad se consumía en llamas de colores, sacudida por fuertes temblores. De pronto la princesa cayó rodando por la rampa, y un ángel descendió de las torres más altas, tomando su mano en el último instante, salvando a… Aiel, de una muerte segura. Luego el ángel giró la cabeza, y miró a Ephiro a los ojos.
—No —gritó el joven, arrojando el libro lejos de sí.

Todo
se
volvió
oscuridad.

No tuvo la sensación de ahogarse, porque la única sensación que tuvo fue ninguna. Fue como si todo él  fuese solo sentimiento, por el personaje moribundo de un libro olvidado. Primero de pérdida, luego de miseria… en algún lugar, de esperanza. Pero, sobre todo, de horror. Un miedo real, visceral, que buscó a tientas, palpando el suelo, hasta que lo agarró, contento, porque era cierto, era suyo. Era él. Volvía a tener el libro. Lo abrió, y la oscuridad se fue como si nunca hubiese existido. Más allá de la ventana el cielo era ahora de un amarillo opalescente, con un sol rojo en su centro.
El libro quedó abierto por la misma página de antes. Encima del dibujo que había cobrado vida en su mente, decía: “CAPÍTULO 1”.
No pensó; pasó la página. Pero la siguiente estaba en blanco. Y la siguiente… todas las demás. Todo el libro. Le cayó el alma a los pies.
—Quiero volver. ¡QUIERO VOLVER! —gritó, con toda su alma. Luego, más calmado, y entre lágrimas—: ¿Me oyes? Quiero volver.
La voz regresó. Ahora era el escudo con forma de dragón, sobre la repisa de la chimenea.
—Pero entonces, como bien sabes, lo olvidarás todo. Dejarás de ser Ephiro. ¿Estás seguro?
—Sí.
—Pues, si estás seguro, sigue leyendo.
Y eso hizo.
De pronto una forma grande como el mundo veló la luz del sol rojo.
¿Te acuerdas, Ephiro?

 

Avatar 2

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He de confesar que me sorprende mucho cada vez que veo un artículo en Internet en el que se pone en duda el éxito de la continuación de la saga Avatar de James Cameron.

Suelen ser artículos mal informados y cargados de tópicos sobre aquella película. Que si Pocahontas del espacio, y toda esa clase de tonterías, ya sabéis.

Primero, ignoran que los verdaderos resortes que impulsaron Avatar beben de las raíces de la mejor ciencia ficción, que crecen en territorios tan fértiles dentro del género como algunas historias firmadas por Paul Anderson, o Ursula K. Le Guin. Aunque no son las únicas influencias.

Película de tanto éxito que a día de hoy sigue siendo, nueve años después de su estreno, la que más ha recaudado en la historia del cine (y eso incluye películas bajo el imperio de Disney que no existían entonces, cuando se estrenó Avatar), su popularidad pronto la hizo pasto de las críticas de los imbéciles. Como, por otra parte, siempre suele pasar con este tipo de películas. (Véanse Los Últimos Jedi). Ya se sabe que Internet es ese sitio donde cualquier débil mental puede escribir lo que piensa de algo y creer que por el hecho de hacerlo, su opinión es importante.

Muchos han querido ningunear la importancia de la película de Cameron centrando sus logros en el apartado técnico. Cada película de James Cameron es casi un paso hacia adelante en el mundo del cine. En el caso de Avatar esos logros fueron más allá del 3D, que no parece haber arraigado en la industria, porque en realidad, la magia del cine que vemos hoy en día es lo suficientemente poderosa como para atraer al público a las salas sin necesidad de 3D, ni, de paso, soportar unas gafas incómodas, que oscurecen la película y son tratadas de formas de lo más peregrinas por ciertos cines (Yo he ido a uno en el que te daban para ver la película gafas usadas de usar y tirar, limpiadas por ellos, según me aseguraron… en fin).
Además, la realidad es que pocas, poquísimas, prácticamente ninguna película ha sido realizada con el 3D en mente como parte de su atractivo. Excepto la propia Avatar, claro.

Yo sí que aluciné viendo Avatar en 3D. No sé si fue por ser la primera vez que veía una película así, o por más motivos. Bueno, sí lo sé. Aluciné porque era un 3D auténtico, que nueve años antes de hoy significó un trabajo con aquella tecnología aún no superado en nuestros días. Pero no fue el logro más significativo de las tecnologías cinematográficas, audiovisuales, que impulsó James Cameron en Avatar. Quizá mucho más importante fue cómo hizo avanzar las técnicas de captura de interpretación facial basada en imágenes, convirtiendo su forma de trabajar en un estándar para cualquier película de fantasía o ciencia ficción que se precie.
De forma paradójica, Cameron rescató los parámetros básicos de lo que es la actuación, casi a un nivel teatral, para subrayar su importancia en el cine comercial de nuestros días. Así, reivindicó el trabajo imprescindible del actor, en una época en la que no pocos  auguraban un futuro en el que los actores ya no serían necesarios, y que serían sustituidos por los efectos especiales.  Además, el nivel de calidad al que llevó las técnicas de grabación con croma fueron el primer paso de un mundo en el que, algún día no muy lejano, cualquier persona que quiera hacer cine con un nivel de calidad de efectos especiales muy bueno, y con poco dinero, podrá hacerlo. Será la democratización del hecho de hacer cine, al igual que la música electrónica y los estudios virtuales han permitido hacer con la música. Un buen guión y muchas ganas bastarán para realizar una buena película.

Y ojo, que James Cameron sigue en hacer avanzar la tecnología cinematográfica, llegando, por primera vez, en Avatar 2,  a la posibilidad de grabar escenas capturando la interpretación de los actores BAJO EL AGUA, un logro que ha sido en buena medida responsable de que la producción de Avatar 2 se demorara tantos años… y no tantísimas otras bobadas y/o pajas mentales que se leen por ahí. No solo eso. El cineasta parece empeñado (otra cosa es que lo consiga) en que Avatar 2 pueda verse en salas en 3D SIN GAFAS. Por lo visto, ya ha conseguido desarrollar la costosa tecnología, basada en el láser. El problema será que en una época en la que las 3D en el cine están en franco retroceso, pueda conseguir atraer a las salas a llevar a cabo el gasto que supondría adaptarse a tal tecnología. Teniendo en cuenta que se trataría de 3D bien tratados, que es el “tito” Cameron, que podrían verse películas en 3D sin gafas ni dolores de cabeza, y respetando el brillo original de la fotografía… bueno. Atractivo es, desde luego. Otra cosa es que lo consiga.

Pero mucho más allá de sus alardes tecnológicos, Avatar fue una película redonda en lo que atañe puramente a la historia que nos contó. Sí, claro que tiene innegables semejanzas con Bailando con Lobos o Pocahontas. Pero es que esas otras historias eran UNIVERSALES. Estaban basadas a su vez en historias anteriores. Y, aunque al espectador medio (mediocre) le cueste ver más allá de la punta de su nariz, Había muchas más cosas en Avatar, como antes he apuntado. Había ciencia ficción pura, aunque contada en términos de ópera espacial, con la intención de James Cameron de hacer un saga cinematográfica que sea, en última instancia, aquello por lo que se le recuerde en el futuro, como lo que es y será Star Wars para George Lucas. Y habida cuenta el tiempo que se ha tomado en desarrollar los guiones, el otro motivo principal de tanta tardanza, en los que esta vez ha buscado la colaboración de expertos guionistas, yo tengo pocas dudas sobre la calidad de las historias que cobrarán vida ante nuestros ojos en Pandora.
La intención de Cameron es la de llevar a cabo una saga generacional, que nos cuente la historia de una familia a lo largo y ancho de la luna Pandora, siguiendo los folletinescos patrones de historias tales como Star Wars o El Padrino. Sé que habrá gente que se quiera arrancar los ojos cuando lea dentro de un mismo marco a El Padrino y Avatar. Pero yo estoy convencido de lo que escribo. Avatar será una de las principales sagas de la historia del cine, ya sea de ciencia ficción o no, habidas y por haber.

A ello ayuda no poco el tercer apartado principal que me faltaba por tocar en este artículo: el diseño de producción, o, podríamos decir, el diseño en general. El diseño de un mundo nuevo, arriesgando en lo visual para hacérnoslo vivir, y haciéndolo más real gracias no solo a la apuesta por nuevas tecnologías como el 3D y la captura de interpretación de las que hablaba antes, sino también, y quizá sobre todo, por el rigor y profundidad con que Pandora fue diseñada. De este modo, diferentes aspectos científicos, a un nivel astronómico, geológico, biológico y social, fueron desarrollados para hacer creíble el marco de la historia (a la par con los artistas visuales que trabajaron y siguen trabajando en Avatar), y dotar a esta de una veracidad inaudita en la ciencia ficción cinematográfica, tanto antes como seguramente después de Avatar.
Conocidas son las noticias de gente que decía enfermar de puro asco, después de asistir al espectáculo de Pandora y darse de nuevo de bruces con la realidad, al salir de la sala, tales eran las sensaciones audiovisuales que prodigó con desparpajo Avatar.
Cabe destacar que la imaginería de Avatar ha sido imitada mil veces desde su estreno, en multitud de propuestas cinematográficas y audiovisuales.

Me pregunto, a estas alturas del artículo, el por qué de tanto odio que generó Avatar. El por qué de tanto linchamiento por parte de los haters. Bien. Así es la podredumbre del espíritu humano. Tenemos cosas buenas y malas, igual que hay gente buena y mala. En general, los haters son gente con escaso criterio y personalidad, que se dejan conducir como una manada por poderes fácticos que ignoran. (Vamos, igual que los supremacistas catalanes). En el caso de Avatar, uno de sus principales enemigos, fue la Iglesia, que siempre se alarma ante propuestas culturales masivas que encandilen la imaginación colectiva. Y con la metafísica de Avatar, para mí mucho más idónea para los tiempos que corren que las enseñanzas de la Biblia, algunos se alarmaron bastante. Hablo sobre todo de ámbitos ultra-conservadores como los USA. Sí, son capaces de lo mejor y de lo peor (Siendo Trump de lo peor, por supuesto, y explicación de buena parte de los males que asolan aquel país).
No debemos perder de vista el argumento de Avatar:  Es totalmente contrario al del votante típico de Trump. ¡Ganan los indios! No solo eso, pardiez, el protagonista se alía con ellos… es casi una blasfemia para el norteamericano típico. Por eso, Avatar fue bastante ninguneada en los Estados Unidos. No es el único caso. Películas mucho menos trascendentales, pero para nada malas, como la Warcraft de Duncan Jones (que si acaso peca de querer decir demasiadas cosas en demasiado poco tiempo), también fueron denostadas por poner a supuestos malos típicos en el papel de héroes.

Una de las críticas negativas a Avatar que más pena me han dado, y digo pena por el crítico, ha sido la del escritor del libro en el que se ha basado Aniquilación, la película de moda de ciencia ficción.
Que no se me entienda mal. Aniquilación me gustó mucho. Me parece una gran película de ciencia ficción, que tiene cositas que la acercan casi al nivel de obras como la original adaptación cinematográfica de Solaris. Sin llegar a tanto, porque también tiene ciertos fallos de guión que hacen que el nivel general de la película al final no sea para tanto como dicen algunos por ahí. Pero vaya, es una película de buena ciencia ficción, para mi gusto. Avatar también lo es, ahondando más, desde un punto de vista cinematográfico, en aspectos filosóficos como los que podemos ver en películas como 2001, o Solaris, (más de ciencia ficción dura que de ópera espacial),  mucho más de lo que el espectador descuidado es capaz de ver. Yo, la verdad, creo que Van der meer le tiene manía a Avatar por pura envidia. Porque popularizó a un nivel audiovisual una historia en la que había elementos que obsesionan al escritor. Elementos en los que Avatar, a pesar de ser ópera espacial, llega más lejos que la película Aniquilación. Porque puede que James Cameron se mire bastante menos el ombligo que otros.
Quizá fue por no desbordar un metraje que podría haber sido ya excesivo, Cameron cometió el error de quitar algunas escenas de la versión final del filme, SOBRE TODO, UNA EN CONCRETO, El Cazador de Sueños, que hubiera elevado el nivel de la ciencia ficción pura (y dura) de la historia a cotas de Solaris y 2001. (En cualquier caso, la escena está ahí, de forma implícita, como parte de la historia, aunque no como parte del montaje final de la película).
Me refiero a la escena eliminada (que puede verse sin los efectos especiales finales en la versión “deluxe” del DVD y BR) en la que Jake Sully ha de someterse a la ceremonia para ser aceptado en la tribu. La escena se corta en la versión final, restándole trascendencia, pero tal como estaba escrita, y llegó a rodarse, Jake Sully entraba en contacto con Eywa, la  divina entidad femenina que gobierna la naturaleza de Pandora. Es una preocupación por la naturaleza que siempre ha estado presente en James Cameron desde su años de estudiante geek, y que se plasma también en su defensa de los bosques y las tribus de la Amazonia, en contra del capitalismo sin escrúpulos. Pero es, además, desde el punto de vista de la historia, un momento en el que Avatar hubiera tenido poco o nada que envidiar a las profundidades metafísicas de Aniquilación.

Esa obsesión ya estaba presente en las primeras semillas de la historia que vemos plantearse en Avatar, allá por 1978, cuando un jovencísimo James Cameron rodó su primer corto de ciencia ficción, XENOGENESIS, en cuyo prefacio ya se habla de una raza de seres humanoides extraterrestres de piel azul que luchan contra una entidad cibernética. El Corto es una obra maestra del stop motion típico del cine de los sesenta, como Jasón y los Argonautas, en la que vemos además otros detalles presentes en toda la cinematografía del director canadiense. Me refiero a su fijación por el tema de armaduras mecánicas controladas por pilotos humanos, que vemos ya en Xenogénesis, y luego en Aliens (la continuación de Alien), en Abyss, en la misma Titanic, y en Avatar.

Para terminar, me gustaría recalcar un dato evidente, para todos aquellos que dudan del éxito de Avatar 2, o como he leído por ahí, INCLUSO QUE LLEGUE A ESTRENARSE AVATAR 2:

Disney ya ha programado las fechas de estreno para todas sus próximas películas de Star Wars para que NINGUNA coincida en las navidades de 2020 y 2021 con Avatar 2 y 3.

Avatar 2 y 3 están siendo rodadas a la vez ahora mismo,  con la novedad que supondrá el día de su estreno lo que contaba más arriba, de incluir por primera vez en una película escenas grabadas de captura de movimiento de actores BAJO EL AGUA. (No una imitación por ordenador de un entorno submarino).
Al elenco de actores original, entre los que repiten prácticamente todos, se suman la titánica Kate Winslet, que será una na’vi, Oona Chaplin, (la nieta de Charlot, conocida por su personaje en Juego de Tronos), y unos cuantos más, incluidos varios niños, que darán vida a la nueva generación de la familia Sully.

Si tienen éxito en las salas, y yo no lo dudo, creo que ya lo habéis adivinado, luego se rodarán también juntas Avatar 4 y 5, para estrenarse en 2024 y 2025. También para esas fechas Elon Musk estará intentando llegar a Marte, y Rian Johnson estará estrenando su propia trilogía de Star Wars, de la que me caben pocas dudas acerca de que serán las mejores películas de Star Wars jamás hechas…

Una mención final para la muerte de James Horner, cuando pilotaba su propia avioneta en 2015. Me dio muchísima pena aquella noticia, porque siempre he sido admirador de gran parte de su trabajo. Incluidos sus sempiternos “tanananán”, que usaba en casi todas sus películas, también en Avatar, por supuesto. No sé quién será el músico encargado de sustituirlo, pero estoy bastante convencido de que lo hará muy bien, que James Cameron no es de los que deje ese tipo de cosas al azar.

 

Como dato curioso, me gustaría añadir que cuando se estrenó Avatar no se habían descubierto aún planetas en torno a ninguna estrella de Alfa Centauro. Hoy en día sí se han descubierto ya algunos, en torno a Próxima Centauro, la enana roja del sistema. Los datos parecen indicar que uno de ellos es un mundo oceánico, que es algo que casualmente imaginó Isaac Asimov para nuestro sistema estelar vecino en su saga de La Fundación; y siendo la investigación oceanográfica una de las principales pasiones de James Cameron.

La forma del agua, o el fondo de la sociedad.

Elisa_Esposito

 

Si esperáis que en esta entrada me sume a la batalla que se ha planteado de forma bastante torpe en las redes sociales entre partidarios y detractores de la película, ya podéis seguir buscando otro artículo que os interese más que éste.

Lo que más me sorprende y preocupa es que buena parte de los detractores parezcan venir del feminismo. Me sorprende porque las tengo, en líneas generales, por personas de una inteligencia sensible por encima de la media; y me preocupa porque eso quiere decir que la gente, en general, no ha entendido nada de esta película.

“La forma del agua” es un cuento “freak”, que trata de una mujer que representa a los diferentes e  inadaptados de la sociedad. Gente al margen, en la que no suele reparar nadie, o si lo hacen, es con asco, pena, conmiseración o maldad. Sí, maldad. Como la que demuestra el personaje excelentemente interpretado por Michael Shannon, por más que sea un malo de libro. Pero un malo de libro que representa a toda la sociedad: el correcto padre de familia, dedicado a su trabajo, que sigue los dictados de lo políticamente correcto, que lee libros de auto ayuda (un detalle trascendental para entender la verdadera intención de Del Toro con este guión) para ser un triunfador, que es lo que demanda la sociedad de todos nosotros; de todos los que son normales, al menos.

Frente a esa normalidad de la que todos queremos formar parte, una mujer muda y solitaria, que vive rodeada de gatos y con un artista excéntrico y fracasado; ninguno de los dos aceptados por la triunfadora sociedad a la que pertenece el personaje de Strickland (Shannon).

Es esta una película de monstruos, pero el monstruo no es aquel que parece serlo. Me alarma la supina imbecilidad con la que algunos críticos han atacado a esta película, diciendo que es sencillamente inconcebible el argumento de partida, esto es, que una mujer se quiera follar a un pez. (Palabras textuales).  Obviando el hecho de que el anfibio (que no pez) tenía un gracioso pene retráctil (y seguramente no pequeño), tales críticos son unos completos ignorantes de los resortes que mueven el alma humana, o, vaya, la mente. Se ha demostrado científicamente que los seres humanos son capaces de enamorarse de robots humanoides, si nos parecen sexualmente atractivos, y podemos establecer comunicación con ellos. A otro nivel, las personas son capaces de tomar afecto hacia mascotas robóticas.

En calquier caso, debería estar ya claro, a estas alturas de la historia de la humanidad, que lo que sea follable, es amable. (Amable: que se puede amar). Sin embargo, se le ha dado demasiada importancia al hecho del sexo en sí, entre la mujer y el tritón. No es eso lo verdaderamente importante, sino el hecho de que ella se sienta más a gusto con él. Lo demás, bueno, viene solo… es como por qué hasta ese momento se sentía a gusto sobre todo con ella misma. Y eso lo vemos simbolizado en la bañera. Su bañera, que de pronto no puede usar porque la usa él. Y el sexo  en solitario, pero feliz, se convierte en sexo en compañía. También feliz, sobre todo a juzgar por el tamaño del bicho, y por las lucecitas que se le encienden…
Además, el guión no deja cabo suelto, para que nos sumerjamos con Aliza en el agua, y comprendamos por qué se enamora del “pez”. Está tan bien explicado que me daría vergüenza tener que hacerlo aquí, y no voy a hacerlo. Ved la película. Pero libres de prejuicios.

Pero si creíais que iba a decir, así de buenas a primeras, que el que resulta ser el monstruo es el correcto padre de familia, os habéis adelantado. Sí, resulta serlo. Pero lo que primero debemos comprender en esta historia es que no trata, como La bella y la bestia, de humanizar al monstruo, sino de monstruizar (valga el palabro) lo humano.

Strickland, en el fondo, no es más que un ser infeliz que está deseando ser rescatado de la sociedad febril en la que vive, pero que jamás tendrá el valor para hacerlo, porque es un correcto padre de familia, un triunfador con un coche último modelo que lee libros de auto ayuda para ser el mejor en su trabajo, y atisba todo lo que no ha tenido el valor de ser en la humilde limpiadora. Solo que en vez de redimirse, de renunciar a todo lo logrado, intenta forzar sexualmente a la “pobrecita y desvalida” mujer muda.

Y es aquí donde más me sorprende la ceguera del feminismo a la hora de condenar esta película. Estamos ante el puto epítome de la rebelión de la mujer como objeto sexual, condenada a trabajos menores, destinados a los inferiores:  las mujeres y los negros.

Estamos ante una mujer a la que le importa una mierda formar una familia y ser alguien normal, políticamente correcto y socialmente reconocido. Una mujer que es además una guarra que se masturba en la bañera. Lo que la correctísima sociedad de su tiempo, y quizá del nuestro,  llamaría a Eliza Espósito. Una mujer que se folla al diferente, al perseguido, al inadaptado.  Al monstruo. Porque es como ella más que nada que exista en la sociedad en la que vive.

Esta película no va de una mujer que se enamora de un monstruo, o de un pez. Va de un monstruo, o un pez, que encuentra a otro, y huye con él.

Aunque el final me pareció un poco convencional, cuando voy pensando más y más en la redondez de la historia, encuentro que me deja muy satisfecho.  Porque, por supuesto, ahora sí, ya podemos dar la vuelta a la historia y llegar a la inevitable conclusión. El monstruo es la sociedad que hemos construido, donde cualquiera que ose ser diferente o ir contra corriente es tildado de rarito, de friki. Y esta película es el triunfo de un friki. Un freak. Aquí lo que importa no es si ser hombre o mujer. Sino ver que las personas pueden ser felices siendo diferentes a lo que la sociedad dicta como lo correcto. Por eso esta película puede valer para feministas, gays, mudos, mongólicos, negros, obesos, anoréxicos, aspergers, catalanes constitucionalistas (uh, oh… WTF?), o cualquiera que se haya sentido diferente y rechazado por la sociedad, pero haya sabido encontrar su camino hacia la felicidad, gracias a la fuerza de su personalidad. Y de eso a Eliza Espósito le sobra.

Nunca he considerado los Oscars como premios referentes de nada. Solo como abanderados de lo políticamente correcto, del dogma, de esa industria cinematográfica moldeada por acosadores de mujeres, ante lo que todos somos culpables, TODOS, hombres y mujeres, por habernos tapado los ojos y los oídos para disfrutar de cada película y cada ceremonia aún sospechando lo que había bajo la alfombra roja.
Quizá no es casual que el primer año que Hollywood intenta sacudirse toda esa basura de productores acosadores de mujeres gane una película como “La forma del agua”.
Porque es ella, el personaje interpretado por Sally Hawkins, el único protagonista en esta historia. Una mujer muda, diferente, valiente por tener la osadía de saber ser feliz sin importarle una mierda lo que la sociedad piense o diga de ella. Una guarra que se masturba en la bañera, una puta follapeces.

Y personalmente, pese al asco que le tengo a los Oscars, me alegro, de verdad, de que una película presentada al mundo en un festival como el de Sitges, sea la ganadora del Oscar. Es todo un jodido símbolo.

Sé que hay muchas feministas de pro que son también auténticas freaks, y que habrán sabido ver la importancia de este hecho. Y no puedo terminar con ésta, mi reflexión sobre “La forma del agua” y su Oscar, sino pidiendo al feminismo, por favor, que no vuelva a caer en el error de creer que los freaks son sus enemigos. Han equivocado el objetivo al ir contra “La Forma del agua” en estos Oscars. El objetivo del feminismo es el Hollywood que hasta ahora había ninguneado completamente al cine fantástico, tanto como a las mujeres.

Sé que en el arte todo es cuestión de gustos, que hay gente que no soporta el cine fantástico; y no puedo decir de mí que odie el cine realista. No, si la película que sea me conmueve o emociona de algún modo. Pero hay cuestiones objetivas que están por encima de cualquier otra consideración: la mezcla de imágenes, música, fotografía, símbolos y tantos detalles que desfilan por el guión de “La forma del agua”… todo eso es el cine. Tanto como lo es “Tres anuncios en las afueras”, o “Los últimos Jedi”, aunque el dogma hollywoodiense todavía esté muy lejos de poder premiar películas de esas calificadas como “blockbusters”. ¿Y no es “La forma del agua”, un puto “blockbuster”? y, si lo es, ¿qué más da? ¿por qué vivir siempre tan obsesionados cada día por llenarlo todo con etiquetas de mierda? Siéntelo, o no lo sientas. Y punto.

Yo me he identificado plenamente, viendo La forma del agua, con esa muda, rarita, guarra y puta follapeces. No porque quisiera ser el monstruo que se la llevase consigo, sino porque querría ser ella, y reírme en la puta cara de todos, y ser feliz.

Reseña: “Solo el acero”, de Richard Morgan.

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Comenta Richard Morgan, en los agradecimientos al final de esta novela, la influencia de “La espada rota”, de Paul Anderson. Es curioso, pues estamos hablando de “Solo el acero”, una obra de fantasía; y Poul Anderson fue uno de los grandes de la llamada edad dorada de la ciencia ficción  (yo prefiero usar el término “fundacional” para referirme a esa época).

Claro que “La espada rota” es una obra de fantasía. Pero no una cualquiera.  En la última edición revisada por el autor, Anderson añadió un prefacio en el que en cierto modo se justificaba porque un autor como él, de ciencia ficción, hubiese hecho esta incursión en el género fantástico que luego encumbró Tolkien (en palabras del propio Anderson). Más allá de que esa justificación fuese necesaria, lo cierto es que resulta de lo más interesante el punto de vista que da sobre la fantasía de “La espada rota”. No es algo nuevo para mí, debo decir, pues siempre he considerado la fantasía como la siguiente esquina en la calle de la ciencia ficción. Pero sí que quizá abrió los ojos a muchos sobre este estrecho vínculo entre los dos géneros. Hoy ya empieza a ser común poder disfrutar de obras que no se encasillan en ciencia ficción o fantasía, donde la frontera entre ambas se diluye. Por ejemplo, la interesante y  multipremiada trilogía de “La tierra fragmentada”, de N. K. Jemisin.

En principio no es este el caso de “Solo el acero”, una obra que si se lee sin observarla bien, es un nuevo hito de la fantasía grimdark, para mi gusto mejor que cualquier novela de Abercrombie. Digo en principio, porque si ya se había  leído antes “La espada rota”, como es mi caso, los paralelismos son evidentes. O mejor dicho, las ideas en las que se inspira Richard Morgan.

No olvidemos además que todo lo que Morgan escribió antes de “Solo el acero”, primer volumen de una trilogía de la que también forman parte “El gélido mando” y “La impía oscuridad”, había sido ciencia ficción. Y una que le valió el título de escritor con una perspectiva novedosa y brutal dentro del género, no exenta de ideas frescas y sugerentes. Morgan ya era grimdark cuando escribía ciencia ficción .

Todo esto nos conduce a una obra donde casi nada es lo que parece, a una fantasía excelentemente construida, en lo que parece ser una Tierra de un futuro lejano, en el que la Luna ha estallado en millones de fragmentos que se han reagrupado formando un anillo.

En ese mundo la narración es conducida en tercera persona omnisciente y en pasado, lo clásico, con continuos y pequeños flash backs genialmente hilados con el tiempo de la historia, a través del pensamiento de sus tres protagonistas. Se trata de tres antiguos camaradas, héroes de la lucha de la humanidad en esa parte del mundo contra un pueblo de lagartos humanoides surgidos del mar. Pero eso es el pasado. Ahora cada uno intenta vivir como puede, siendo esta una historia que se construye sobre esa pregunta que siempre nos hacemos al final de una obra de fantasía épica: ¿qué pasó después con nuestros héroes?

Si os parecía que el grimdark de Abercrombie era duro y descarnado… bueno… aquello era literatura juvenil comparado con “Solo el acero”. No lo digo como una cualidad a destacar, sino como un hecho. Si esta obra me ha gustado más es porque me la creo más. Porque como lector que ama por igual la fantasía y la ciencia ficción, Morgan es mucho más gratificante.

Y atención a las sorpresas que nos aguardan en los dos siguientes volúmenes. Supongo que a casi nadie se le escapa que las novelas de ciencia ficción escritas por Morgan a las que me refería antes son las de la trilogía de Takeshi Kovacs, del que hace poco hemos visto su adaptación a la pantalla en la serie Carbono Alterado, de título igual al libro. Y, si todo va bien, este mismo mes de marzo Gigamesh publicará el segundo libro de esa trilogía, “Ángeles marchitos“.

Pues bien, parece ser que, como sugería el hecho de estar “Solo el acero” inspirado en una obra de fantasía escrita por un eminente autor de ciencia ficción, los siguientes libros de esta trilogía llamada “Tierra de héroes” dejan bien claro que los dos universos litetarios de Morgan, el de fantasía grimdark y el de ciencia ficción, están estrechamente relacionados…

Añadir que la prosa de Morgan, aunque práctica, no está exenta de  algunas profundidades y de bellas sutilezas.

La traducción me ha parecido muy buena.  Y no hay ninguna errata importante que recuerde.

“Solo el acero” lo publica Alamut en rústica con solapas, en una edición bien cuidada, con paginas que llaman la atención por su grosor,  bien cosidas. Tiene poco más de 400 páginas.

Mi valoración personal: 4,5 sobre 5.

 

 

Se suele decir a veces que los seres humanos somos destructivos

Se suele decir a veces que los seres humanos somos destructivos. Que atentamos contra la naturaleza. Que estamos acabando con el planeta. Y se antepone lo animal y lo salvaje como ideal que hemos perdido.

Es una percepción romántica, pero no es cierta.

Todos los seres vivos son destructivos y gastan y transforman sus ecosistemas.

Las plantas, cuando se extendieron por el planeta, lo transformaron por completo, llenándolo de los restos de su alimentación, oxígeno, un gas hasta entonces menor en la Tierra, y como resultado, matando a gran parte de los seres vivos de su época, pues el oxígeno es un gas corrosivo. Fue un gas venenoso. Lo vemos en su poder de oxidación de los metales.
Luego la vida se adaptó a ese cambio, y como nosotros somos los descendientes de la vida que se adaptó, para nosotros el oxígeno es sinónimo de vida. Como para la inmensa mayoría de las especies actuales. Porque las otras se extinguieron casi por completo.

¿Son malas las plantas, entonces?

¿Son malas las termitas o las langostas, o hacen solo aquello para lo que están programadas por la naturaleza? ¿Lo son los leones o los lobos por matar los rebaños?

Por primera vez en la historia de la vida en la Tierra, el ser humano tiene el poder de cambiar esa programación y trascender su propia naturaleza. Pero aún no hemos escapado de las cadenas de nuestra propia biología. Como todas las especies, desgastamos nuestro entorno.

La Tierra no durará para siempre, al igual que no dura la manzana que roe un gusano, ni el árbol que devoran las termitas. La vida es así.
Y en otros mundos con otras posibles especies será igual. Solo los que se dan cuenta a tiempo y saltan a otros árboles o a otras manzanas sobreviven.
El espacio es el próximo paso natural de la evolución humana.

Y ojo… que las plantas son muy listas, y las llevaremos con nosotros… jeje…

V, ¿trilogía cinematográfica?

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Kennet Johnson, creador de la miniserie V original, está metido de lleno en el proyecto de una trilogía cinematográfica remake de aquella historia de invasión extraterrestre, y los medios se han hecho eco de ello con rotundidad esta semana, tanta que hasta ha sido noticia de cultura en el telediario de TVE1 de esta noche.

V fue el mayor evento de ciencia ficción de nuestra infancia, después de Star Wars, para los que fuimos niños en los años ochenta. En aquel tiempo no se había visto nunca nada igual en la tele. Algunas revistas se hicieron un nombre tan solo gracias a regalar cromos adhesivos de la serie (aquellas cosas eran oro puro en un mundo donde NO existía Internet).

Aunque el tiempo ha diluido su importancia, su remake en forma de serie fue bastante torpe e hizo poco por rescatar las sensaciones que había dejado la propuesta original, lo cierto es que hay momentos de aquélla que permanecen en la memoria… las lanzaderas de otro mundo volando sobre paisajes usuales, los rayos láser, Diana tragándose la rata viva, los cadáveres humanos colgando de bolsas para ser consumidos por los lagartos, las pieles de lagarto, aquellos ojos… la humana que gestó el híbrido, la quinta columna, aquella “V” de victoria dibujada con chorreante aerosol rojo como la sangre, al ritmo de los títulos de crédito finales…

Todas aquellas cosas, por lo general, en un mundo sin Internet, y con dos o tres canales de televisión, eran algo sencillamente increíble. Algo a lo que ni de lejos se aproximaron películas como Independence Day.
Que el propio creador de la serie sea el encargado de esta trilogía, y si aciertan con los guiones, es algo digno de seguir para cualquier buen amante de la ciencia ficción televisiva.

Como anécdota, la música de los títulos de crédito iniciales usa una melodía que sigue una cadencia de notas . . . _ tres puntos y una raya, que en morse es V. No creo que sea casual. Seguramente esté inspirado, como muchos conceptos de la serie, en la Segunda Guerra Mundial, y en la lucha de la libertad contra la tiranía, que es lo que esta historia nos quiso contar en el fondo. Porque, como es sabido, los partes de campaña de los Aliados se radiaban con los compases iniciales de la Quinta Sinfonía de Beethoven. “Ta ta ta taaaan”. V, de Victoria.

La serie original, que fue cancelada antes de llegar a su final, contó con uno de los presupuestos más abultados del momento, con alrededor de un millón de dólares por episodio.